Com ousadia e originalidade, Filipe Catto agita cenário da música brasileira

Aos 22 anos, jovem compositor fala do amor de forma singular, e atrai fãs de todos os cantos do Brasil
















Foto: Ieve Holthausen

O registro raro do timbre de voz (contra-tenor) chama atenção para um jovem compositor e intérprete que começa a vislumbrar toda uma carreira musical a ser traçada em cima de muita boa vontade e pela paixão por cantar. Tido como grande revelação na música brasileira, Filipe Catto enfrenta as desvantagens e soma as vantagens de ser um artista independente, original e talentoso como poucos.

Em seu mais recente trabalho, batizado “Saga”, o jovem compositor trata do amor, tema frequente na canção brasileira, de forma inusitada. Com emprego de termos fortes como “desgraçada”, “esmigalhada”, “desbotada”, “perversa”, “destrincha”, Filipe expressa sentimentos de afeto misturado com a desilusão de grandes paixões.

A linguagem utilizada pelo cantor, que contraria a forma como o tema é normalmente abordado, teve influência das palavras de Hilda Hilst e Chico Buarque, só para ficar em dois exemplos. A respeito de Chico, que também canta o âmago dos sentimentos humanos, Filipe cita a música “Olhos nos Olhos” como modelo de sua poética (“Tantas águas rolaram / Quantos homens me amaram / Bem mais e melhor que você”).

“Quando componho tenho uma tendência natural a falar de coisas na minha música que ninguém fala. Gosto muito de tratar o amor dessa forma bastante íntima e crua”, explica Filipe. “São sentimentos inconfessáveis, tão lá dentro e tão horríveis que tu não consegue falar nem para ti mesmo”.

Nascido em Porto Alegre, no Rio Grande do Sul, Filipe faz parte da nova leva de compositores/cantores (embora tenha poucos intérpretes masculinos que cumpram esse papel) que teve seu talento descoberto e a carreira alavancada através das facilidades da internet.

Na onda dos artistas independentes, que sobrevivem com as ferramentas da rede, Catto se desdobra em criatividade para divulgar seu trabalho. Pouco ligado no interesse das grandes gravadoras - cada vez menos populares na era virtual, Filipe revela seu principal desejo como profissional: ser ouvido.

“Quis facilitar o trabalho das pessoas. Parti do principio que sou um artista novo e, como artista novo, quero me escutem. Quando eu lancei o álbum, enxerguei aquilo como peça de divulgação. O disco em si não me traz o financeiro, esse papel cabe ao show”, explica.

“Baixem. Se gostarem, espalhem o disco - é esse tipo de pagamento que eu espero, não precisam me dar um real a mais”, complementa. O EP virtual “Saga” está disponível, na íntegra, para download no site oficial (http://filipecatto.com.br/).

Ainda a cerca de suas influências musicais, Catto veio de duas vertentes diferenciadas. Da Música Popular Brasileira mais antiga (como Nelson Gonçalves e o já citado Chico Buarque, e grandes divas da MPB como Maysa, Elis Regina e Maria Bethânia), - e de uma veia mais pop e atual, atribuída à época em que tocava em bandas de rock de garagem, no Rio Grande do Sul, como Nick Cave e PJ Harvey.

“PJ traz uma versão dark do amor, como uma coisa mais misteriosa. Neste ponto, as letras dela são bem parecidas com as minhas”, contou.
















Para complementar o forte discurso do disco, Catto pesquisou sobre as possibilidades de sons em diversos instrumentos para agregar em seu trabalho. “Queríamos um disco quente, acústico, com percussão rica e viva. O bom de ser independente é poder criar a música, sem pressão externa. Experimentar e ver o que vai acontecer”.

O estudo pessoal do músico resultou em uma mistura interessante de ritmos latinos como bolero, samba-canção e o tango tradicional - o que necessitou da presença forte do bandonéon na gravação do álbum.

Filipe conta que, durante a pesquisa, percebeu como a cultura latino-americana possui integração. “Se você olhar a estrutura melódica [do tango], verá que é muito parecida com a do samba-canção. A música latina conversa entre si”, explica.

Foi nesse conceito de unidade musical que o repertório de “Saga” foi pensado. “O repertório conta uma história. [Em “Saga”] uma música brinca com a outra, elas se revelam e se conversam”, explica Catto. Houve também a preocupação com um discurso uniforme, que falasse do amor de forma ‘crua, violenta e passional’, “que é o que me traduz”, diz o compositor das letras.

“Algumas lindas canções tiveram que ficar de fora, porque não traduziam o conceito do disco. Eu trabalhei para deixar tudo coerente; isso se estendeu até o visual do site oficial”.

Graças aos recursos virtuais, o site, que abriga o EP, pode ser acessado por curiosos e fanáticos pela música de várias partes do Brasil, o que propiciou a Catto uma pluralidade de público. Gaúcho, o artista se espantou ao ver que boa parte dos interessados em seu trabalho estavam a quilômetros de distância.

“Tudo está acontecendo o contrário do que imaginei. Acreditava ter uma repercussão maior aqui em Porto Alegre, mas notei que, por exemplo, boa parte dos acessos ao site e downloads do álbum vinham do nordeste, onde ocorre um outro tipo de cultura. Estou muito feliz com isso”, afirma.















Foto: Maciel Goelzer

Para chegar até o nordeste e satisfazer seus distantes fãs, porém, é preciso muito mais do que boa vontade e paixão pela música. Sustentando sua carreira apenas com os lucros de shows, Catto enfrenta certos impasses toda vez que marca uma apresentação além do sul do país.

“É muito caro fazer show. Dependemos de toda uma equipe que temos que transportar, e meu show é um espetáculo, quase como teatro”, reconhece. “Existem as leis de incentivo, mas é difícil tocar um projeto assim somente para um show. Encarece!”.

Para ‘facilitar’ as coisas, como transporte e financiamento, Catto está na estrada acompanhado apenas de um violonista (Ricardo Fá) na turnê que foi batizada “Violão & Vísceras”.

“Temos que viabilizar as coisas. Ou faço show capenga com banda - o que eu não iria consegui fazer, ou tiro tudo”, justifica. Nada mais adequado para o clima intimista que se estende do palco até a plateia. “Show com banda é outra experiência, tem mais entretenimento, mas não quero entreter; quero que prestem atenção em minhas letras. Gosto de sentar, olhar e falar na cara a verdade, isso é comunicação da arte, e arte não se faz sozinha”.

A comunicação também se estende a uma performance teatral, dotada pelo forte domínio de palco de Catto e sua entrega na música. “Como vou cantar algo que diz “uma pobre coisa desgraçada” [trecho de “Ascendente em Câncer”] fazendo cara de paisagem? Não tem como não se apropriar [da música], você usa as mãos e todos os utensílios que possui, a dramaticidade é muito teatral”, acredita.

Para 2010, a intenção de Filipe é fazer o maior número de shows possíveis. Disco novo, somente ano que vem. “Já comecei a compor. A essência é a mesma, mas toca em outra questão e com outra estética. ‘Tá’ indo para uma direção meio Dolores Duran com Amy Winehouse [risos]. Será um disco mais cru, mais simples; e terá maior presença de banda”, nos adianta.

(Karen Lemos - O Estado RJ)

“Estrangeiros” do Oscar analisam as raízes da violência humana

A seleção oficial dos candidatos a Melhor Filme Estrangeiro da 82ª edição do Oscar, prêmios da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, provou traçar um painel duplo: por um lado, o talento de cineastas latino-americanos como Claudia Llosa e Juan José Campanella, do outro, o retrato nada animador de diferentes personagens/sociedades que funcionam como uma análise da semente de todo o mal.

Grande vencedor da noite, em uma reviravolta surpresa, “O Segredo dos seus Olhos” de Campanella naturaliza os sentimentos de vingança ao misturar emoções universais como a paixão e o humor.

Transmitidos pela impressionante comunicação que nossos olhos possuem – dá-se aí a força do título – os anseios humanos são apresentados reunidos na trama sobre um ex-funcionário jurista que dedica seu tempo de aposentadoria a escrever um romance, baseado em vivências do passado, aquelas com as quais não consegue mais se desvencilhar.

Inspirado no livro homônimo de Eduardo Sacheri, “O Segredo…” conquistou o público argentino, e bateu marcas de bilheteria, tornando-se um dos longas mais assistidos no país. A história relembra o drama de uma mulher estuprada e, posteriormente, assassinada por um maníaco que permanece impune peça justiça, que o emprega para realizar serviços sujos.

Denso, e estranhamente atraente, o novo trabalho do cineasta argentino se mostra muito diferente dos ótimos “A Filha da Noiva”, de 2001, e “Clube da Lua”, de 2004. Dentro dessa miscigenação de gêneros – suspense, comédia, drama – “O Segredo…” nos mostra, através de um final surpreendente, as origens da violência humana causadas pelo desejo por vingança.

O frequente uso de flashbacks, para recontar os acontecimentos, nos surpreende ao longo da projeção, se desdobrando em uma trama muito mais rica da que é apresentada originalmente. O espectador se torna testemunha de pequenas consequências dos atos dos personagens.

Com humor negro, onde é possível rir das desgraças alheias (outra especificidade humana da qual fugimos), o longa se mistura na sensibilidade de uma história de amor com a violência de um assassinato, e a amargura de um crime sem punição justa. Também nos é apresentado outras tantas surpresas. A sequência de perseguição no estádio de futebol, só para ficarmos em um exemplo, filmada com mestria, é empolgante.

Já o peruano “A Teta Assustada”, de Claudia Llose, trata de preconceitos envolvendo uma lenda que assombra uma pequena comunidade no país. Vencedor da edição 2009 da Berlinale, “A Teta Assustada” toca nos sentimentos de rejeição ao retratar as vítimas de violência de um grupo terrorista, resquícios de uma época de repressão política no Peru.

Violentadas, as mulheres são acusadas pelos habitantes locais de ‘contaminar’ a próxima geral de crianças nascidas após o período de violência, ao dar à luz bebês que são frutos das relações de estupro praticadas pelos terroristas.

A transmissão da tal praga seria através do leite materno (justificando o título do longa). Em clima soturno, a trama vai longe ao mostrar o drama de uma mulher que vive com uma batata na região vaginal, para impedir um possível abuso.

“A Fita Branca”, do austríaco Michael Haneke, vai ainda mais longe. Com uma proposta bem mais intrigante das que analisamos até aqui, Haneke expande suas especialidades de linguagem em seu novo trabalho; e faz isso de forma tão intensa, que chega a ser impossível sair do cinema imune a tudo aquilo – saímos, minimamente, incomodados (para não usar o termo “atormentados”).















O clima de desconfiança é especialidade conhecida de Haneke – já comprovado em trabalhos como “A Professora de Piano”, “Violência Gratuita” e “Cachê”. Em “A Fita Branca”, o realizador traz a história ambientada nos anos que antecedem a primeira grande Guerra Mundial, e se apresenta ambicioso em seu conceito ao atribuir pequenos acontecimentos, ocorridos em uma vila da Alemanha, aos primórdios dos ideais nazistas. Simbolicamente, claro.

Todo produzido em preto e branco (o que rendeu a merecida indicação de Melhor Fotografia para o trabalho de Christian Berger), a trama, que levou a Palma de Ouro no último Festival de Cannes, impressiona em seu conceito ao levar ao extremo a resultante ‘ação e reação’ causada pelos personagens centrais – as crianças.

Algozes da história, os pequenos habitantes são obrigados a manter sua pureza (simbolizada por uma fita branca, amarrada no braço de cada uma) de juventude, e andar na linha conforme as rígidas imposições dos adultos da vila, que exigem um comportamento de acordo com ensinamentos cristãos.

Porém, uma vez que os próprios adultos corrompem os conceitos determinados por eles mesmos, com aplicação de penas severas às crianças que os desrespeitam, a falsa moralidade passa a reinar no vilarejo. Surge um espaço propício para o nascimento de uma onda de violência, que Haneke sugere desembocar nos embates da Primeira Guerra, e que permeiam até os dias de hoje. Uma realidade cruel que quando não assusta, desespera.

Na briga pela estatueta dourada, estes principais concorrentes da categoria Filme Estrangeiro (“Segredo…” e “A Fita Branca”) apresentam em comum personagens movidos pela angústia e aflição. Ambas obras procuram deparar uma possível explicação para tanto ódio, e encontra justificativa na violência instintiva que cada um de nós carregamos internamente.

Em ambientes insólitos e tramas recheadas de fino suspense, as produções estrangeiras deste ano nos trazem uma visão mais negativa de mundo, um desapego total em relação a uma mudança na realidade que parecemos estar fadados a viver.














(Karen Lemos - Portal Cinéfilo)

A distorção que vem do campo

Encontro entre grandes nomes da música brasileira celebra a inusitada mistura do ‘rock rural’















Quando o cantor e compositor Zé Rodrix (25/11/1947 - 22/05/2009) escreveu os versos de “Casa no Campo” em parceria com Tavito, talvez jamais tivesse imaginado que ali dava à luz uma vertente na música brasileira, uma mistura da distorção das guitarras com a harmonia da música regional, em uma fusão que ficou conhecida como rock rural.

O termo, que nasceu com as palavras de Rodrix nos trechos “Eu quero uma casa no campo / Onde eu possa compor muitos rocks rurais”, batiza agora um encontro para manter viva essa miscelânea de sonoridades, que já faz parte das especificidades da nossa MPB.

Desde a célebre gravação de Elis Regina, na década de 70, o gênero é relembrado por aqueles que acompanharam de perto o nascimento da combinação musical, e vem atraindo muitos jovens, cada vez mais interessados no que artistas como Zé Geraldo, a dupla Sá e Guarabyra, e conjuntos como o Terço, têm para mostrar.

O Centro Cultural Banco do Brasil, em São Paulo, reuniu esses e outros grandes nomes da música brasileira em um encontro na programação da casa, que vai até o dia nove de março. Toda às terças-feiras, em dois horários - às 13h e às 19h30, o palco do CCBB se transforma em uma espécie de sala de reuniões para velhos amigos fazerem o que mais gostam: tocar, inventar, e experimentar a música.

“A ideia é mostrar para o público que a coisa continua sendo feita até hoje. Não se trata de algo nostálgico, e muito menos está estagnado”, explica o curador do evento Ricardo Vignini.

Por trás da empreitada, Vignini, que não por acaso também faz parte da seleção artística do evento - tocando com sua banda Matuto Moderno - acredita que o inusitado resultado trazido pelo rock rural continua vivo para aqueles que apreciam a boa música.

“Quando a gente fala da música do campo, todo mundo que nasceu no centro urbano é despertado por uma identificação. Todos nós temos um antepassado que veio lá do interior, e isso faz com que a música com ‘pé na roça’ seja valorizada até hoje”, define o curador.

Zé Helder, um dos novos nomes convidado para o evento e que dividiu o palco com o Ivan Vilela na última terça-feira (2), complementa a resposta de Ricardo.“Estamos nos referindo a músicos que, ao invés de olhar para as tendências momentâneas, estão procurando algo verdadeiro para expressar com sua música”.















Zé Geraldo, que se apresentou no palco do CCBB na última terça-feira (23), diz não enxergar o rock rural como um movimento – ou até como proposta musical. Para o músico, a mistura de gêneros ocorreu de forma natural, e que já era feita muito antes dos rótulos.

“Muitos artistas já realizavam essas misturas espontaneamente. Só para citar um exemplo, Raul Seixas já fazia isso com mestria, só que ninguém achou um título para isso”, explica o cantor e compositor, nascido em Rodeiro, interior de Minas Gerais.

Música sem preconceito

Sérgio Hinds é integrante do conjunto O Terço, que surgiu no final da década de 60 e abriu o festival no CCBB no dia seis de fevereiro, dando o ponta-pé inicial no encontro e esquentando o palco para uma reunião que, segundo ele, celebra um momento importante da cultura brasileira: época em que a experimentação musical era mais do que válida.

“Não tínhamos o menor preconceito, a gente misturava tudo: samba, baião, coisas nada a ver com o rock and roll; tínhamos total liberdade de criação”. Hinds conta ainda que, naquela época, até mesmo as gravadoras eram mais receptivas em relação à materiais inovadores. “Simplesmente editavam o disco e botavam na rua. Era uma época de experimentalismo, quando não existiam barreiras e ficávamos totalmente livres para criar”.

Flávio Venturini, do conjunto 14 bis e que periodicamente se reúne com Hinds, dividindo o som d’O Terço, compartilha da opinião do companheiro de palco:

“[O Terço] trazia muita informação nova numa época em que não havia globalização; neste ponto fomos inovadores trazendo essa mistura de mpb, pop e rock”.















Mesmo sendo irreverente, o músico crê que a mistura do rock rural esteja perdendo seu espaço dentro das mudanças na música brasileira, e atribui isso a um momento difícil na indústria fonográfica.

“Tenho achado esse momento um dos piores pelo qual nossa musica já passou”, resume. Em todo caso, Venturini faz questão de ressaltar que muita gente ainda tem ‘sede de ver boa música ao vivo’. “Mas isso é cada vez mais raro”, explica.

Música sem idade

Para Luís Carlos Sá, um dos principais representante do’movimento’ ao lado de Guttemberg Nery Guarabyra Filho - com quem forma a dupla “Sá e Guarabyra” - o rock rural não pretendia inovar a forma de se tocar rock no Brasil, mas sim de valorizar a canção tradicional e popular feita aqui muito antes dos ritmos americanos chegarem aos nossos ouvidos.

“O rock americano deu origem aqui a Jovem Guarda, que era essencialmente urbana e nada regionalista em termos de Brasil. Ao contrário do rock rural, que partiu da junção do ‘country rock branco’ de Neil Young, Bob Dylan e James Taylor com a raiz brasileira caipira de Cascatinha e Inhana e outros ritmos populares”, explica o cantor e compositor.

O grande encontro ficou encarregado não só de resgatar este pedaço na história da música brasileira, mas também de prestar uma merecida homenagem a um grande amigo e parceiro de palco de Sá: José Rodrigues Trindade - o Zé Rodrix, o mesmo que iniciou toda a história de rotular a música que toda essa gente fazia de rock rural foi relembrado na reunião musical.

Rodrix, que faleceu pouco menos de um ano, teve um papel cultural importante como músico, compositor e produtor musical. Participou de bandas como Sá, Rodrix & Guarabyra (deixando o trio em 1973) e Joelho de Porco. Também chegou a revelar novos talentos da época, tendo produzido nomes como os teatrais Secos&Molhados, também na década de 70.

Além do tributo, Luís Carlos Sá define a união de artistas do rock rural em um mesmo espaço como um painel inédito do gênero. Inédito - mesmo depois de tantos anos de sua classificação - isso porque, apesar do papel segmentador, o rótulo jamais limitou a criação musical.

“Acho que quando a música é realmente boa, não tem problema nenhum em misturar, fica até mais atrativo”, conta Marlene Alves, de 55 anos, que trabalha como bancária e acompanha de perto a trajetória de Sá e Guarabyra há anos.

Não é só Marlene que fica atraída pela ‘mistura de música boa’. É cada vez mais comum a presença de jovens na plateia em shows de antigos conjuntos ou cantores. Com o público vem se renovando, é cada vez mais certo que a música não tem mesmo idade.

“Temos seguidores fiéis, que atravessaram conosco três gerações musicais, e trouxeram seus filhos e netos. Dessa forma vamos agregando, também, um público mais jovem que se cansou da mesmice sertaneja, e está à procura de algo mais”, finaliza.

(Karen Lemos - O Estado RJ)

Com seis vitórias, “Guerra ao Terror” surpreende e domina Oscar 2010

Favorito, “Avatar” de James Cameron levou apenas três das nove indicações
















E deu zebra na 82ª edição dos prêmios “Oscars” da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, realizado na madrugada deste domingo (7) para segunda-feira (8), em Los Angeles, Califórnia. Com vitória de lavada de “Guerra ao Terror”, da cineasta Kathryn Bigelow, a edição 2010 ficou dividida entre surpresas e prêmios já esperados.

Além de melhor filme, “Guerra ao Terror” trouxe o Oscar para sua realizadora, que entrou para a história da premiação como a primeira mulher vencedora desta categoria, ótimo pretexto de comemoração para o Dia das Mulheres.

“Avatar”, do cineasta James Cameron, o mesmo de “Titanic”, teve que se contentar com apenas três estatuetas (direção de arte, fotografia e melhor efeitos visuais) das nove que estava concorrendo.

Os prêmios de atuação não surpreenderam tanto. Jeff Bridges, como esperado, levou melhor ator por “Coração Louco”, assim como o vilão Christofer Waltz de “Bastardos Inglórios”.

Em uma das principais disputas da noite, Sandra Bullock e Meryl Streep se ‘enfrentaram’ e dividiram opiniões até o último segundo, quando Bullock foi premiada por seu trabalho em “Um Sonho Possível”. Na categoria atriz coadjuvante Mo’Nique, favorita, venceu com seu primeiro papel para o cinema.

Contrariando as expectativas, o alemão “A Fita Branca”, já tido como vencedor, desapontou, e deixou a estatueta para o argentino “O Segredo do seus Olhos”. O prêmio de animação, porém, não surpreendeu. O inteligente “Up! – Altas Aventuras” levou, como todos nós já sabíamos. Confira outros detalhes da grande festa do cinema.

O grande vencedor

O termo que designa os “azarões”, em disputas como o Oscar, não pode ser totalmente atribuído ao filme dirigido por Kathryn Bigelow, afinal, sua vitória já era parcialmente esperada.

A rotina perigosa dos desarmadores de bombas, utilizando o conflito no Iraque como pano de fundo da trama, já havia acumulado boa parte dos prêmios durante a temporada das chamadas premiações Pré-Oscar: Globo de Ouro, Independent Spirt Awards , Bafta da Inglaterra e o SAG, do sindicado dos atores, são alguns exemplos.
















Bigelow com os apresentadores da noite: Alec Baldwin e Steve Martin

Foram com 16 troféus contra nove de “Avatar” em premiações diversas e festivais de cinema. Mas, para ter nas mãos o principal prêmio de todos, “Guerra...” teria que explodir um forte candidato. E não foi fácil. Avatar era o atual recordista de bilheteria no mundo, e também concorria com nove indicações nas categorias do Oscar 2010.

Ficções cientificas como ‘Avatar’ não costumam a saírem vencedora dos eventos da Academia (Vale destacar os megas sucessos de bilheteria “Star Wars”, de George Lucas e “ET”, de Steven Spielberg – indicados e não-premiados). Mas os números, até então, estavam a seu favor.

Em comparação, “Avatar” já faturou mais de US$ 700 milhões (cerca de R$ 1.250 milhões) somente nos Estados Unidos, enquanto que “Guerra ao Terror”, nas mesmas análises, arrecadou “apenas” US$ 12,6 milhões (aproximadamente R$ 22,460 milhões) para as bilheterias norte-americanas. Apesar da diferença, a soma não é nada mal para o filme de Bigelow, que foi realizado com pouco orçamento.

Além de filme e direção, “Guerra...” também venceu melhor roteiro original, melhor edição de som, melhor mixagem de som e melhor montagem.

Assistida pelo ex-marido James Cameron, sentado na plateia, Bigelow dedicou seu prêmio as “mulheres e homens militares que arriscam vidas diariamente, no Afeganistão e no mundo inteiro”, e ainda desejou que “pudessem voltar para casa são e salvos”.

Batalha dos atores
Sandra Bullock definitivamente foi o destaque. Após seus 20 anos de carreira, recheado de comédias românticas e sem nenhum reconhecimento, a atriz levou a melhor por “Um Sonho Possível”, derrotando veteranas como Helen Mirren e Meryl Streep.

Ironicamente, a premiação do Framboesa de Ouro (os piores do Oscar, que ocorre às vésperas da grande noite do Oscar) “agraciou” Bullock com o título de pior atriz por seu trabalho em "Maluca paixão", o qual também produziu.














Bullock e Bridges com a estatueta dourada

No palco do Oscar, Bullock muito emocionada agradeceu, primeiramente, a Academia por “dado a oportunidade de viver uma vida maravilhosa nestes últimos meses”. Sempre brincalhona, ela não deixou de fazer piada acerca da acirrada disputada com Streep.”Você beija muito bem!”, disse, relembrando o momento de empate na premiação do Critics’ Choice, que acabou em selinho entre as duas intérpretes.

O resultado foi que Meryl Streep não precisou receber a estatueta para sair ‘vencedora’ do evento. Interpretando a famosa apresentadora de programa culinário Julia Child”, Streep atingiu 16 indicações ao Oscar (ganhou duas vezes). Um recorde na história da premiação já que Katharine Hepburn, que detinha a marca anterior, somou 12 indicações.

Despontando como favorito, o ator Jeff Bridges “abocanhou” todos os prêmios da temporada 2010, quase não deixando dúvidas sobre sua vitória final. Por seu cantor de country alcoólatra e decadente de “Coração Louco”, Bridges recebeu sua [primeira] estatueta dourada, confirmando seu favoritismo. O ator foi aplaudido de pé, e agradeceu os membros da Academia assim que subiu no palco, e também aos parceiros da produção.

Na categoria melhor ator, nada de extraordinário. Christoph Waltz, merecidíssimo na pele do impiedoso nazista Hans Landa, em “Bastardos Inglórios”, de Quentin Tarantino, levou. Como era esperado, Waltz trouxe a única estatueta para a produção sangrenta - do que jeito que Tarantino gosta, e que tem como protagonista o galã brad Pitt.

O Globo de Ouro, o Independent Spirit Award e o Bafta já haviam premiado Mo'Nique por seu trabalho no longa-metragem “Preciosa”. Nada mais justo do que um repeteco no Oscar.
















Waltz premiado pelo vilão Hans Landa de "Bastardos Inglórios"

Em seu primeiro trabalho como atriz, Mo’Nique, que é conhecida nos Estados Unidos como apresentadora de televisão, impressionou a crítica com sua personagem forte: uma mãe rigorosa com a filha traumatizada por abusos sexuais.

Demais premiados

Outra categoria que é bem esperada na premiação é o de melhor filme estrangeiro, que neste ano foi surpreendente. Contrariando todas as apostas, O favorito – o alemão “A Fita Branca”, de Michael Haneke - deu vez a produção argentina “O Segredo do seus Olhos”, de Juan José Campanella.

“Up! – Altas Aventuras” correspondeu às expectativas e levou o prêmio de melhor animação. Assim como melhor figurino para o filme de época “The Young Victoria”, ainda sem lançamento no Brasil, que confirmou seu favoritismo.

“Preciosa” levou melhor roteiro adaptado, indo contra apostas de alguns críticos que cantavam vitória para “Amor sem Escalas”, de Jason Reitman (roteirista de “Juno”).

Para melhor canção original, que neste ano não contou com os números musicais no palco na tentativa de encurtar tempo de exibição, levou “The Weary Kind" de “Coração Louco”.

“The Cove”, sobre ativistas contra caça de golfinhos no Japão, ganhou como melhor documentário.
















Equipe de "The Cove", vencedor de melhor documentário

Entre as atrações teve homenagem a John Hugers, que faleceu em agosto de 2009, roteirista/diretor de clássicos cinematográficos da década de 80 como “Curtindo a Vida Adoidado”, “Clube dos Cinco” e “Esqueceram de Mim”. A celebração teve direito a Macaulay Culkin, que andava sumido no mundo dos famosos, presente no palco.

Como acontece todo ano, a Academia ainda lembrou das personalidades que contribuíram para o mundo da sétima arte, e que nos deixaram esse ano. No telão foram homenageados artistas Patrick Swayse, David Carradine, Brittany Murphy, entre outros.

(Karen Lemos - Famosidades/MSN)

Retrato de uma rua descarada

Exposição na Escola São Paulo celebra aniversário da cidade com raio-X da Augusta















O mapa exposto na parede traça o caminho que vai desde a rua Martins Fontes até a Estados Unidos. A trilha já é bem conhecida pela maioria dos paulistanos, que recebem de presente, em comemoração ao aniversário da metrópole, uma visão criativa e sedutora de uma personagem que, se não fosse por sua existência, São Paulo seria parcialmente diversificada, como é da forma que conhecemos hoje.

Através de fragmentos da realidade urbana vivida na Rua Augusta, a exposição “2346”, em cartaz até o mês de abril na Escola São Paulo, traz à tona alguns mistérios que permeiam o universo habitado por todo tipo de gente. As disparidades, que tanto atraem os paulistanos e turistas - que chegam de todos os cantos imagináveis, viraram tema de análise.

O recorte da região foi feito todo pensado artisticamente, e envolveu recursos como instalações de vídeos, depoimentos em áudio, e fotos impressas com momentos dos frequentadores e suas experiências vividas ao extremo.

“A escolha da rua acontece, principalmente, por seus contrastes, que acabam servindo como uma amostra da enorme diversidade presente em São Paulo. Além disso, a Augusta permite enxergar nuances e diferenças que nem sempre os moradores da cidade percebem”, explica o grupo LAT-23, formado pelos artistas Cláudio Bueno, Denise Agassi, Marcus Bastos e Nacho Durán.

Algumas dessas nuances citadas pelo grupo, aparecem como pequenas representações da rua. Para ficarmos em um só exemplo, vale destacar as diferenças socioeconômicas encontradas a poucos metros de distância ao longo da Augusta. Em uma loja refinada no bairro Jardins, um relógio de marca pode chegar a custar R$ 12.000 mil, enquanto que, na mesma calçada, em direção ao centro da cidade, o objeto na versão genérica pode ser adquirido por cerca de 15,00 reais.

Rua sem face

A pretensão do grupo, no entanto, não é definir um rosto para a rua. Assim como a cidade que a abriga, a rua é tão diversa, que chega a ser impossível encontrar um elemento único que a represente. Apenas uma das muitas facetas de São Paulo, a Augusta torna-se, nas palavras dos artistas, uma rua “descarada”.

“Se o nosso mapa, assumidamente, não dá conta nem das nuances da Rua Augusta, qualquer sugestão de representação de uma metrópole, seria inútil”, esclarecem.

Pensando dessa forma, porém, podemos afirmar justamente o contrário: que a Augusta seria, na verdade, um espaço de muitas faces, desde que se questione o que seria da Augusta sem a existência das inúmeras pessoas que por ela passam, fazem histórias acontecerem, e ajudam na construção de sua emblemática imagem – que agora virou tema de exposição.
















“Claro que o papel dos moradores é sempre importante para pensar uma rua, mas no caso de uma rua pública, como é a Augusta, a dimensão social, coletiva, o comércio, o lazer, os fluxos, enfim, toda essa gama de manifestações acaba interferindo na forma de olhar para aquele espaço”, conta o grupo.

Outro ponto ressaltado pelos artistas como um possível atrativo de paulistanos para a Augusta, diz respeito à revitalização que a rua passou nos últimos anos, seduzindo populares de todos os gostos e tipos. Para reforçar a ideia, o grupo citou a questão, levantada por Ale Youssef - sócio da casa noturna Studio SP (que vara madrugadas apinhada de gente) localizada, obviamente, na Augusta - de que a rua seria o exemplo de crescimento urbano através de iniciativas da própria comunidade local.

“Também é um lugar que ganhou uma importância recente por ter se transformado em um exemplo espontâneo de reurbanização da cidade”, complementam os expositores.

Coleta de dados

Em cerca de um mês, foram coletadas diversas informações sobre o universo urbano da Rua Augusta. No decorrer da pesquisa, o grupo fez registros da região em fotos e gravações de vídeo, além de terem conversado com os muitos frequentadores do espaço, em busca de boas histórias.

“Fizemos expedições pela região, conversamos com pessoas na rua, fomos a delegacias, hotéis e bares”, conta o grupo que, durante o processo, realizou o mapeamento de dados, através de um aparelho GPS, para cartografar o espaço.

“O processo foi um pouco parecido com o de fazer um documentário, com a diferença importante que o material coletado não tinha como destino um todo fechado”, definem os artistas.

O resultado se deu em um conjunto de fragmentos da Augusta, por vezes na forma impressa, como em fotos e artes gráficas, ou visual, a exemplo das instalações audiovisuais presentes na exposição.

A funcionária Débora, que trabalha na recepção da Escola São Paulo, achou diferente e interessante a exposição em seu ambiente de trabalho. Uma das obras, um retrato da violência e da loucura - muito presente na realidade da Augusta, despertou seu interesse.
















"Essa foto, em particular, me chamou atenção”, disse, apontando para um retrato de uma perna tatuada com o desenho de um revólver, batizado de “Tiros e engarrafamentos”. Abaixo da imagem, palavras juntapostas (dando a ideia de continuidade) revelam uma, das tantas histórias que foram testemunhadas pela rua. “Quando você lê o texto, dá para imaginar a pessoa falando tudo isso, achei incrível”.

Para se chegar no resultado que tanto agradou Débora, o LAT-23 trabalhou em cima de um leque de opções para compor as obras da exposição, como lâminas de papel, adesivos, e claro, muita análise e criatividade.

“Cada elemento utilizado dizia respeito à forma e à mídia que consideramos mais adequada para contar aquela parte da história”, complementam os integrantes do LAT-23.

Mapeamento Online

Um dos atrativos da exposição – e também do grupo – é o conceito artístico através do mapeamento digital. A ideia mistura pesquisa de campo de um determinado lugar, feita através do registro de coordenadas geográficas e coleta de dados da região, com as artes plásticas que resultam em obras para a exposição.

Esse tipo de intervenção tornou-se comum após o advento de ferramentas digitais que captam informações de satélites para dar dimensão ao espaço físico habitado por nós aqui na Terra. Exemplos dessas ferramentas podem ser encontradas no serviço do Google Maps, e no cada vez mais popular GPS, parceiro inseparável de motoristas de grandes cidades (como São Paulo).

“2346” completa uma trilogia de mapeamento online iniciada pelo grupo com “Coexistências”, projeto gráfico em que os artistas fizeram uso da bandeira da Palestina, sobrepondo-a em uma representação virtual de Higienópolis, bairro tipicamente judeu da capital paulistana.

Outro espaço da metrópole também virou alvo da criatividade do grupo em “Kandinsky by Perdizes”. Como o próprio nome já diz, a exposição trazia o bairro de Perdizes, zona oeste da capital, sob o manto simbólico do quadro Composition VIII, do pintor russo do século XX Wassily Kandinsky.

O conjunto dessas obras tenta buscar, nas palavras do LAT-23, diversos pontos de vista sobre a cidade de São Paulo. Compostas artisticamente pela cartografia abstrata, as representações dos bairros destacam não apenas a diversidade local, mas também formam um retrato de seus habitantes.
“Ao contrário de uma resposta concisa sobre a cidade, o público vai se deparar com fragmentos. Talvez estes fragmentos o façam se sentir ainda mais pertencente a esta realidade ou, poderá lhe causar estranhamento diante de um lugar novo. São Paulo é assim mesmo, maior do que ela própria”, finalizam os expositores.

Confira algumas curiosidades da Augusta, reunidas em “2346”:

- 3 litros de cachaça por dia em uma esquina de bar

- 57 camisinhas por noite em um hotel de segunda categoria

- 30 maços de cigarro vendidos por dia em uma banca de jornal

- 804 ocorrências de furto entre os meses de janeiro e maio de 2009


“2346” - Grupo LAT-23
De 25 de janeiro a 1º de Abril
Segunda à sexta das 9h às 20h / Sábados: das 9h às 18h
Escola São Paulo
R. Augusta, 2239 – São Paulo / SP
Tel. 11 3060.3636
info@esccolasaopaulo.org

(Por Karen Lemos - O Estado RJ)

Carnaval para se curtir dentro do cinema

"O Mistério do Samba"

Para quem gosta de Carnaval, mas não tem o samba no pé, é possível aproveitar esta ocasião mais do que brasileira sem estar na avenida dos sambódromos. Voltado para os amantes dessa arte e cinéfilos de plantão, o cinema da Galeria Olido, no Centro da cidade de São Paulo, oferece um cardápio cinematográfico recheado com obras que têm em comum a temática da festa popular.

Entre os dias 19 a 31 de janeiro, o Cine Olido abre alas para a exposição “O Samba Pede Passagem”, que reúne uma programação diversificada. Ao todo, são 25 produções entre longas-metragens e curtas-metragens de ficção, além de documentários sobre a data e seus principais representantes (como célebres sambistas e compositores), registros de shows, e filmes que relembram a época do carnaval de rua – conhecidos como as chanchadas.

A mostra, que já está em sua segunda edição, tem como principal objetivo “a descoberta de uma enciclopédia do samba dentro do cenário da cultura brasileira”, como define Alex Andrade, programador de cinema da Galeria Olido e curador da exposição. “A segunda edição surgiu da necessidade de exibir as obras que ficaram de fora da primeira, e que agora valeriam a pena serem mostradas. São muitos filmes, e existe uma dificuldade de incluir todos na programação. Precisei encontrar um recorte que tivesse uma proposta”, explica Alex. Mesmo assim, muita coisa ainda ficou de fora, o que já alimenta a ideia para uma terceira edição prevista para o ano que vem.

Entre os destaques estão obras como “O Mistério do Samba”, de 2008, um retrato da Velha Guarda da escola carioca Portela que surgiu como consequência de uma pesquisa da cantora Marisa Monte para repertório de um novo trabalho. Riquíssimo em material de arquivo, o filme traz Carolina Jabor (filha de Arnaldo Jabor) e Lula Buarque de Hollanda (sobrinho de Chico Buarque) nas rédeas da direção.

O roteiro ainda apresenta “Saravah”, que traz um registro cinematográfico de uma viagem ao Brasil do cineasta francês Pierre Barouh no ano de 1969. No Rio de Janeiro, o diretor gravou encontros marcantes com artistas nacionais como Maria Bethânia, Paulinho da Viola, Baden Powell, entre outros.

O projeto para realização da mostra teve o apoio da ABBC (Associação das Bandas, Blocos e Cordões Carnavalescos do Município de São Paulo), que já há alguns anos está à frente de uma iniciativa cultural para resgatar a memória do Carnaval. “O tema da exposição foi sugerido por nós, e enviado para a Secretaria de Cultura. Mais do que uma mostra, ‘O Samba Pede Passagem” traz essa intenção de resgatar nossa memória, através de obras que falam das marchinhas e dos blocos de rua”, explica Zeca Dal Secco, presidente da Associação.

Falando em memória, os clássicos do cinema nacional também compõem a seleção. “Nem Sansão, Nem Dalila”, com Oscarito no elenco e direção de Carlos Manga, rodado no ano de 1954, se tornou um marco do cinema chanchada, original do Rio de Janeiro, elaboradas com tramas leves e muitos números musicais.

“Todos apresentam o samba como elemento narrativo. Temos comédias da década de 50, por exemplo, que não necessariamente têm o samba como assunto principal, mas as canções passam - atravessam os filmes de uma maneira importante, com os números musicais que funcionam quase como personagens na trama”, complementa Alex.














O compositor Cartola, um dos homenageados na mostra

Cinebiografias e documentários

Os documentários musicais, inclusive, são exemplos desta ideia exposta pelo curador. “Cartola - Música para os Olhos”, retrato cinebiográfico de um dos principais compositores do gênero, não necessariamente trata do Carnaval em si, mas diz respeito a um de seus principais representantes.

“Paulinho da Viola, Meu Tempo é Hoje”, sobre o cantor e compositor homônimo, acompanha de perto sua rotina musical, atrelada com o universo do samba. “As biografias são importantes para conhecer o samba através de seus principais personagens, e entender a trajetória de vida de alguns sambistas, muitos de origem humilde, e como eles chegaram até às telas”, conta Alex.

A programação de curtas-metragens também é especial. “Nelson Sargento”, sobre o sambista da mangueira, e “Com que Roupa eu vou”, mostram facetas de dois artistas do gênero, sendo que este último - sobre o compositor Noel Rosa – traz em seu enfoque uma das canções mais conhecidas do autor da década de 30. Para complementar, a mostra exibe “Noel – Poeta da Vila”, de Ricardo van Steen, longa de ficção sobre a vida e obra de Noel.















Rafael Raposo vive o poeta Noel Rosa

A importância do resgate cultural

Uma das intenções de Alex Andrade foi buscar na memória da cultura brasileira pérolas do cinema nacional que fossem contundentes com o tema da mostra. Durante o processo, o curador se deparou com raridades, e colocou-as de volta ao panorama das telonas.

“Quarenta por cento desses filmes nunca entraram em cartaz. Alguns até foram exibidos em festivais de cinema, mesmo assim foi pouco. Há obras nessa exposição, por exemplo, que ficaram de fora até mesmo dos circuitos de cine-clubes”, conta.

É o caso de “A lira do delírio”, dirigido por Walter Lima Jr. A produção faz uso de elementos documentais para apresentar uma ficção sobre um bloco de carnaval de rua. O presidente da ABBC, Zeca Dal Secco, acredita que esse tipo de obra traça um cenário de evolução do samba. "Quando se fala em carnaval, estamos exibindo um retrato da nossa sociedade. Essas manifestações também representam a transformação. O carnaval que vemos hoje é uma consequência de todos esses momentos - as marchinhas, o carnaval de rua – que chegaram até hoje, com os desfiles nos sambódromos”, explica.
















Cena de "Diário de Naná"

Outras produções que Alex Andrade, programador da Cine Olido, destaca são “Assim era a Atlântida”, sobre a produtora de filmes que lançou boa parte das chanchadas durante a década de 50, e “Diário de Naná”, que mostra a busca da percursionista Naná Vasconcelos à procura de diferentes batidas e ritmos durante uma viagem pelo Brasil afora.

“O samba, durante muito tempo, teve um perfil marginal dentro da sociedade. Recentemente, isso tem mudado, podendo até levar as pessoas ao cinema para assistir a uma exposição sobre o tema – e é o que tem acontecido”, esclarece Alex.

(Karen Lemos - O Estado RJ)

“O Samba Pede Passagem”
De 19 até 31 de janeiro
Cine Olido - Galeria Olido.
Av. São João, 473. Centro de São Paulo
Tel.: 3331-8399
Ingressos a R$1

Finalmente...a música

No palco para celebrar a música, Alzira E. e Ney Matogrosso, dois artistas sul mato-grossenses com muita coisa em comum, recordaram momentos especiais divididos pela dupla - ao longo da trajetória artística - agora reunidos em show realizado entre os dias 20 e 21 de janeiro, para uma plateia lotada no SESC Pinheiros, em São Paulo.

“Já conhecia Alzira há muitos anos. Sempre estou de olho no repertório dela, tenho comigo vários discos que, às vezes, dou uma olhada e uso no meu trabalho. Esse show foi toda uma síntese da nossa história, era um encontro inevitável”, definiu Ney Matogrosso.

O “encontro inevitável” não apenas relembrou a parceria de muitos anos, mas também reforçou os laços de uma carreira conjunta, repleta de admiração e respeito de trabalho mútuo, simbolizada na canção “Finalmente” que, não por acaso, batizou o espetáculo.

“É o nome que escolhi para o show porque eu já sonhava com esse encontro, então ficou bem adequado: ‘Finalmente’ isso aconteceu. A música em parceria com o Itamar [Assumpção, que colaborou em boa parte das composições de Alzira] é especial por isso, relata esse encontro”, explicou Alzira.

O percurso, para Alzira, foi mais do que natural. Há dez anos Ney gravou “Bomba H” no álbum “Olhos de Farol” (registrado no ano 1999), dando início a uma contribuição artística entre o cantor e a compositora. “De lá para cá existia essa possibilidade de - um dia – nos encontrarmos em cima do palco. E acho até que demorou bastante”, riu Alzira.

De fato, dez anos parecem se arrastar no relógio, mas foi o tempo suficiente para criar laços artísticos entre as duas estrelas, que construíram uma história de parcerias para serem relembradas no show. Desde o ponto de partida - “Bomba H”, o intérprete veio gravando composições de Alzira contundentes com seu trabalho musical.

Em 2004, para o álbum “Vagabundo”, juntamente com o grupo Pedro Luís e a Parede, Ney Matogrosso registrou em estúdio “Transpiração”, e a já citada “Finalmente”, que até então nunca havia cantado ao vivo. Para “Inclassificáveis”, disco de 2008, o cantor incluiu “Coisas da Vida” – outra parceria de Alzira com Itamar – no repertório, reforçando a intimidade de Ney com as letras da compositora.

Essas canções, obviamente, não poderiam faltar no encontro. Mas, para selecionar todo o roteiro musical no espetáculo, Alzira e Ney não se limitaram as já conhecidas parcerias, e foram além. “De início eram umas 10 músicas”, conta Ney Matogrosso, que recebeu o convite e o set-list do show através do correio. “Eu falei [para Alzira]: ‘Olha, vamos aos poucos, verei até onde eu consigo’, porque as músicas eram cheias de ‘ciladas’, tinham uma complexidade”, explicou.















Crédito: Carol Mendonça

Ney se referiu a obras inéditas, nunca interpretadas por ele no palco, como “Mulher o Suficiente”, “Sei dos Caminhos”, “Ai, que Vontade”, e “Se eu Soubesse como”, canção que está prevista para entrar no novo disco produzido por Alzira para este ano.

“Ensaiei tudo na véspera, coisa que eu não faço nunca [Ney precisou abrir um espaço na turnê atual - “Beijo Bandido”, na qual estava totalmente envolvido, para ensaiar o repertório com Alzira]. Eu estava um pouco inseguro no primeiro dia, mas no segundo teve uma virada. Entrei mais garantido, e a platéia, que estava mais solta, também ajudou”, comentou o intérprete.

Com o roteiro definido, datas divulgadas, e o clima de sucesso pairando no ar, não foi nenhuma surpresa que as entradas para conferir esse encontro pra lá de especial tivessem sido vendidas em cerca de uma hora e meia. “Em meia hora, a parte de baixo da platéia já havia sido toda vendida”, detalhou uma funcionária da unidade Pinheiros do SESC.

É certo que celebrar um encontro com um nome de peso da música brasileira atrai um grande público. Alzira, sabendo disso, mergulhou de cabeça no projeto e deixou de lado, pelo menos por alguns instantes, as finalizações do seu novo álbum, que já está na reta final da produção.

“Eu não conhecia o trabalho da Alzira pessoalmente, e tive o prazer de ouvir suas músicas, que são verdadeiras poesias”, comenta a espectadora Márcia Hack, que segue o cantor desde 1983, e já teve oportunidade de conhecer o trabalho de outros músicos, devido a parcerias dos artistas com seu ídolo. “Ver os dois cantando juntos foi lindo. Quando Ney entrou no palco a plateia veio abaixo”, recorda.

O espetáculo também surpreendeu com canções inéditas de Alzira, que devem estar presentes em seu novo disco – “Pedindo a Palavra”. “Passou a existir um desafio gostoso de tocar essas músicas - estrear essas músicas no palco, e isso transformou aquele momento em uma coisa única”, explica Alzira.

“Pedindo a Palavra” traz um repertório recheado de criações de Alzira com o poeta Arruda. “Nosso Presente”, “Olhos de Chico Buarque” e “Beijos Longos” (interpretada ao lado de Ney), foram os destaques do roteiro do show, e fazem parte do novo disco, aguardado para chegar às lojas no mês de abril, prevê a cantora.

(Karen Lemos - O Estado RJ)